Ferdimax Art World

Der aus Riga (Lettland) stammende Maler Ritum Ivanovs ist ein Ausnahmetalent. Der 1968 geborene lettische Maler verbindet hyperrealistische Realitätsdarstellung mit einer die Illusion scheinbar wieder zerstörenden einzigartigen linearen Strichtechnik. Seine Werke hängen unter anderem im Latvian National Museum of Art, der staatlichen Tretyakov Gallery in Moskau und der Sammlung Museum Würth.

Meine Geschichte beginnt 2007. Damals arbeitete ich neben meinem Studium als Büroleiter bei Gabriele Eick, der Grande Dame der Kommunikation in Deutschland. Gabriele betreut bis heute extern die Public Relations der Europäischen Zentralbank (EZB).  Für die EZB 2007 setzte Sie auch gemeinsam mit meiner Freundin der Kunstberaterin Heike Sütter die Ausstellung „Zeitgenössische Kunst aus den Mitgliedstaaten der Europäischen Union“ um. Im Mittelpunkt standen damals lettische Positionen aus der sich seit 2005 im Aufbau befindlichen Sammlung des von Rem Koolhaas entworfenen neuen Museums für zeitgenössische Kunst, das 2011 in Riga eröffnete.

Als Expertin für lettische Kunst wurde die Galeristin Anna Sausverde-Ellger eingebunden, die unter anderem eine Pressereise nach Lettland organisierte und den direkten Kontakt in die zeitgenössische lettische Kunstszene ermöglichte.

 

Seit dieser Zeit kenne ich Anna. Wir waren uns auf Anhieb sympathisch und ich besuchte nicht nur die oben erwähnte Schau, sondern auch einige Ausstellung in Annas zauberhaftem Wohn- und Galeriegebäude in Liebshausen (Rheinland-Pfalz). In dieser Zeit sah ich auch das erste Mal das Bild „Exposed David“ von Ritum Ivanovs. Das Bild hat mich sehr beeindruckt, aber irgendwie konnte ich mich nicht entscheiden. Kunstkauf ist eben ein Prozess und manchmal muss die Beziehung zwischen Bild und Käufer langsam wachsen. Immer wieder, wenn ich Anna seitdem getroffen habe, fragte ich beiläufig ob das Bild denn noch da sei, immer ein bisschen erleichtert, wenn Sie mit Ja antwortete. Dieses „Gibt’s das Bild noch“ – „Ja, Dein Bild ist noch nicht verkauft“ wurde fast wie ein Mantra zwischen Anna und mir, bis ich im letzten Jahr endlich Nägel mit Köpfen machte und den David nach Hause holte. Im BWLer Jargon würde man vermutlich von einer der längsten „customer journeys“ ever sprechen. Aber: manchmal wird was lange währt eben gut.

 

Anna war es auch, die mich vergangenen Freitag zur Eröffnung der Ausstellung „Ritums Ivanovs, Insights“ in der Galerie Feld+Haus in Frankfurt eingeladen hatte. Bei dieser Gelegenheit konnte ich Ritums und seine bezaubernde Partnerin, die Designerin Kaisa Kahu kennenlernen. Ritums ist ein spannender Mensch und interessanter Gesprächspartner der einen mit seinem einnehmenden Wesen und seinem Charisma sofort gewinnt. Bei einem Glas Wein sprachen wir über seine Malerei, die Entwicklung der lettischen Kunstszene und das faszinierende Land. Lettland hatte ich mit meinem besten Freund Tom 2014 bereist.

Die Ausstellung bei Feld+Haus geht noch bis zum 5.August und zeigt ältere und ganz neue Werke, darunter ein Portrait von Ritums Sohn. Die starken rottöne der Malerei sind mit einem ungewohnt pastosen Strich kombiniert und man sieht den Knaben ruhig und von der Abendsonne gewärmt vor sich stehen.

 

Besonders beeindruckt haben mich zwei sehr große Portraits seiner Eltern. Gerade das Bild seiner Mutter deren Gesicht das Leben gezeichnet hat, nimmt einen lange gefangen und hat eine meditative Sogwirkung. Es ist eben nicht nur die besondere Maltechnik, das Auflösen der Malerei in einzelne Linien und Striche, sondern auch die große Kunst eine Welt mit Farben so zu konstruieren, dass wir Zuschauer in diese Welt hinein abtauchen können und uns darin angenehm verlieren.

 

 

 

 

Über den Maler:

* 17. Oktober 1968 in Cesis, Latvia

1980 – 87    Janis Rozentals Art School

1987 – 94    Latvian Art Academy

1994 – 95    Humboldt State University, CA, USA

1996            Master of Arts, Latvian Art Academy

Member of Artists Union of Latvia since 1999

 

 

Ausgewählte Gruppenausstellungen:

Scope Art Fair, Basel, Switzerland

Context Art Fair, New York, USA

Experimental sidestep, Putti Gallery, Riga / Latvia

NordArt, Kunstwerk Carlshütte, Germany

Interaction, art centre cARTc, Budapest, Hungary

Values. Best artworks of 2012, Gallery Riga, Riga, Latvia

From Head to Toe, Würth Collection, Schwäbisch Hall, Germany

Art Takes Times Square, NY, USA

„Is it that he does not seek the truth, but does want to influence?“, Riga Art Space, Riga, Latvia2010

International Contemporary Art Exhibition “Art Moscow”, Central House of Artists, Moscow / Russia

International art exhibition BUDAPEST ART FAIR 2010 Heroes Corner Section, Budapest / Hungary

Territory of Art, Volkhonka Fine Art Centre, Moscow / Russia

Effect of Synergy, Jurmala City Museum, Jurmala / Latvia

Sotheby’s exhibition-sale,  5th – 9th June, London / UK

12th International Contemporary Art Exhibition “Art Moscow”, Central House of Artists, Moscow / Russia

Art Now, New York / USA

Europart, Geneva Palexo / Switzerland

Innsbruck International Art Fair / Austria

Visions and Reality, Pulchri Studio, Hague / The Netherlands

8th International Print Biennale, Kaliningrad / Russia

No Painting, Tallinna Kunstihoone, Tallinn / Estonia

Now art now future, Print, Edsvik Konshall / Sweden

Travelling exhibition, Essen / Germany

New Life, Palazzo Reale, Napoli / Italy

Salt of life, Gallery Vartai, Vilnius / Lithuania

Line Art Fair, Gent / Belgium

Fresh Art Fair, Business Design Centre, London / UK

Extension is More Fine Arts, project „Gallery Tour of the Ten“, International Club of Ministry of Foreign Affairs of Germany, Berlin / Germany

Art of the Ten, project Gallery Tour of the Ten, City Hall Gallery, Munich / Germany

8th International Contemporary Art Exhibition “Art Moscow”, Central House of Artists, Moscow / Russia

Rape of Europe, Eskilstuna Art Museum, Eskilstuna / Sweden

Adaption! Latvian Art Now, Estonian Art Museum, Tallinn / Estonia

Nothing Personal, Städtische Galerie im Buntentor, Bremen / Germany

Latvia. Surprising Art from the 20th Century, Zvolle City Museum, Zvolle / The Netherlands

Fresh Art, Business Design Centre, London / UK

Identity, Riga Gallery, Riga / Latvia

Gallery, Washington / USA

 

Auszeichnungen:

2013, Painting of the Year, organised by Agija Suna Gallery and Swedbank Private Banking (Riga, Latvia)

2003, Estonian Ministry of Culture, letter of acknowledgement from Urmas Peat

2000, Ministry of Culture, Latvia, Residence Grant

1998, Exhibition Art Nouveau in Riga, Gallery Riga, Latvia / 1st prize/

1995, Juried Exhibition Reese Bullen Gallery, Arcata, CA / USA

 

 

Öffentliche Sammlungen:

Latvian National Museum of Art, Riga / Latvia

State Tretyakov Gallery, Moscow / Russia

Estonian National Museum of Art, Tallinn / Estonia

The Parliament of the Republic of Latvia, Riga / Latvia

Private Museum, Münster / Germany

Matti Milius art collection, Tartu / Estonia

Würth Collection, Germany

http://feld-haus.com/

http://www.ritumsivanovs.com/

https://www.youtube.com/watch?v=raeIrQzqeNU

http://www.artpromotion02.de/de/

http://www.nordart.de/downloads/kuenstler/2013/46_Ritums_Ivanovs.pdf

https://www.saatchiart.com/ritumsivanovs

 

Das erste Adventswochenende 2016 in Dublin zu verbringen war ein Experiment. Sucht man über Google nach Dublin + Advent + Weihnachtsmarkt etc. findet man nicht viel.

Umso größer war die Überraschung, ein fast US-amerikanisch-kitschiges Winter-Wonderland vorzufinden, bei dem auch ohne Schnee Weihnachtsstimmung überall ist. Die Fenster, Geschäfte, Fassaden sind hochdekoriert, jede auch noch so kleine Nische ist festlich geschmückt.

In Pubs werden Nikolausmützen als Werbe-Give-Aways verteilt und „All I want for Christmas is you“ läuft omnipräsent rauf und runter. Parallel trägt gefühlt jeder vierte Ire trägt rein zufällig einen Weihnachtspullover.

 

Um diesem kaum entrinnbaren Weihnachtstrubel zu fliehen, sind wir also am Samstagmorgen in die National Gallery of Ireland geflüchtet, by the way kostenfrei und gegen freiwillige Spenden betrieben. Dort am Merrion Square besuchten wir durch Zufall die Ausstellung des Hennessy Portrait Prize. Eine kleine, aber feine Kabinettausstellung mit zahlreichen spannenden Positionen aktueller irischer Künstler.

Darunter auch eine Arbeit des  23 Jahre jungen talentierten Malers Tom Alexander McLean aus Galway „Waiting Room“. Meine große Begeisterung war dann tatsächlich so enthusiastisch, dass ich noch am selben Abend dem Künstler eine E-Mail schrieb um ihn kennenzulernen. Leider war das nicht so einfach möglich, da Tom in Galway wohnt, dass am entgegengesetzten Ende Irlands liegt. Doch, der digitalen Welt sei Dank, gibt es ja mittlerweile neue Wege der Kommunikation und der Auseinandersetzung. Auch mit Kunst. Tom, der unter anderem auf der longlist für den RDS Visual Artist Award stand und Finalist des Screaming Pope Prize, 2016 ist, vernetzte sich also mit mir über Facebook und Instagram wo man einen hervorragenden Überblick über sein Werk erhält.

Zurück in Deutschland habe ich mich dann zum ersten Mal damit auseinandergesetzt, ein Bild (bzw. zwei) zu kaufen, ohne es vorher real gesehen zu haben. Das ist schon seltsam. Aber man sollte nie nie sagen.  Nach einem langen Hin- und her konnte ich mich für eine Auswahl von zwei Werken entscheiden.

Um es kurz zu machen: Zwei herrliche Bilder dieses jungen talentierten Malers sind nun Teil meiner kleinen Sammlung und ich bin über dieses Blanddate immer noch sehr glücklich. Habe ich mit Tom McLean und der Ausstellung in der National Gallery doch einen guten Einstieg in die junge Kunst Irlands gefunden. Dass ein Besuch Irlands auf jeden Fall lohnt, hatte ich bereits vor einem Jahr in einem Artikel für das Magazin Bonvoyage versucht darzustellen.

LINK (folgt)

Mein Weihnachtsexperiment hat diese Meinung nun nur noch einmal mehr bestätigt: Irland ist umwerfend!

http://www.irishtimes.com/culture/art-and-design/visual-art/the-hennessy-portrait-prize-2016-shortlist-1.2882163

https://www.irishartsreview.com/new-generation-artist-work/tom-mclean/

http://www.screamingpopeprize.com/art-prize-finalists/tom-mclean

Wie Ihr mitbekommen habt, bin ich ja noch kein so richtig erfahrener Blogger – und so werkele ich seit zwei Wochen an einem Text rum, bei dem sich viele Fragen für mich auftun. Denn, für wen schreibe ich und, was ist meine Intention? Ich bin ja kein Veranstaltungsticker – zumal die Ausstellung „Linientreu“ bereits vorbei ist. Daher ist es auch sinnlos, einen Bericht zu formulieren, der andere animieren soll, diese oder jene Ausstellung zu besichtigen. Viel mehr möchte ich – dass steht  fest – von Dingen erzählen, die mich begeistert oder bewegt haben.

Die, wie bereits erwähnt schon abgebaute Ausstellung „Linientreu“ hat mich aus zwei Gründen sehr bewegt. Zum einen künstlerisch, denn die Schau hat einen sehr vielseitigen und spannenden Umgang mit Zeichnung und Grafik ausgebreitet. An diesem Genre fehlen für so manchen Kunstfreund die Farbe, Bildtiefe und Opulenz. Für viele aber ist die Zeichnung die Urform der Malerei. Direkt auf den Malgrund gebracht, ist die Zeichnung der erste Schritt, ein Kunstwerk, das zunächst nur aus einer Idee besteht, real zu manifestieren.

In der Offenbacher Zollamt Galerie stellten bei der Eröffnung am 30. März 2017  elf Künstler, die das Studium der Gestaltung an der HfG Offenbach verbindet, Ihre Perspektiven vor.

Franz Dittrich, Eugen El, Bea Emsbach, Patrick Haller, Norman Hildebrandt, Miriam Hilker, Lisa Marei Klein, Roman Köller, Edwin Schäfer, Achim Schauffele und Zeljko Vidovic haben mit Ihren Arbeiten für eine sehr inspirierende Dissonanz hinsichtlich Ihrer Werke gesorgt.

Ein bisschen hatte die Ausstellung etwas von einem Klassentreffen. Es ist immer wieder wunderbar, all die vertrauten Gesichter wieder zu treffen, gemeinsam zu lachen und Geschichten zu erzählen.

Da sind unter den Gästen Menschen wie die großartige Nadine Röther, die ich noch aus ihrer Sturm und Drang Zeit kenne, als sie, die große Rebellin, einst einen spektakulären Hasen aus Dachlatten mit großem Aufschlag vor Publikum in Brand steckte.

Aber da ist auch auf der Seite der ausstellenden Künstler der stille und dabei so tiefgängig in sich hineinlächelnde Eugen El, dessen Werk man nie ganz verstehen wird, aber dessen Konsequenz herausragend ist. Wer sonst malt ausschließlich den immer gleichen Kopf eines jungen Mannes im Dreiviertelprofil, dessen Lebendigkeit und Vielseitigkeit erst in der Betrachtung der Werkreihe entsteht.

Faszinierend ist die Spannung zwischen Person und Werk von Zeljko Vidovic. Zeljko wirkt auf den ersten Blick wie ein Bürohengst vom Finanzamt und wenn man dann seine provokanten, teils verstörenden Werke sieht, Werke in denen sich Kinderköpfe zu einem gespenstigen Berg feist grinsender Schädel auftürmen, in denen es um das Ausscheiden oder einführen von Exkrementen in Körperöffnungen geht und die ein wenig den Anschein eines perfiden Horrorkabinetts machen, dann begreift man, dass nichts so ist, wie es scheint und der eigene Blick nicht in den Menschen hineinschaut.

Patrick Haller, den ich bislang nie so richtig verfolgt hatte, überzeugte durch den totalen Erguss der Linie – drei hochnarrative Arbeiten aus Linien, die eine Bildwelt von überwältigender Kraft und Mehrdimensionalität erschaffen. Ein wenig märchenhaft stürmen die Protagonisten, Mischwesen aus Mensch, Insekt und Tier, über die Bildfläche und verflechten sich durch die Linienführung immer weiter zu einem schlüssigen Ganzen. Patrick Hallers Arbeiten sind ganz großes Kino.

Bei aller Unterschiedlichkeit gibt es aber eine große Klammer in dieser Ausstellung. Diesen Verdienst möchte ich der Hängung und Auswahl meines Freundes Dr. Norman Hildebrandt zuschreiben, der diese Ausstellung organisiert hat.

Norman ist ein besonderer Mensch und ein guter Freund ohne den ich nie den Kontakt zur Hochschule für Gestaltung, HfG Offenbach, so intensiv hätte herstellen können. Er war es, der mich immer wieder eingeladen hat dabei zu sein, mitzuwirken und mit zu feiern als wir alle noch Anfang zwanzig waren und die Welt irgendwie ein Stück weit sorgenfrei war. Norman hat uns allen gezeigt, wie wichtig es ist, sich diese Jugendlichkeit zu bewahren, dem Erwachsenwerden nicht überall die Straße zu ebnen, sondern die Fenster der Meinungsfreiheit aufzusperren um Konventionen durch eben dieses Fenster zu betrachten, aber Ihnen nicht unbedingten Gehorsam zu leisten.

Vielleicht ist das auch der Aufruf dieser Ausstellung und ihr wichtiges Fazit: Bleibt unbeugsam, bleibt wach, kreativ, vielschichtig und hegt das Kind in Euch. Nur mit dem forschen und wachen Blick eines jungen Menschen gelingt es in die Seele zu schauen und Verborgenes zu entdecken.

 

http://www.hfg-offenbach.de/de/pages/zollamt-galerie#ueber

http://www.hfg-offenbach.de/de/calendar/new-calendar-item-674#veranstaltung

https://www.op-online.de/offenbach/zollamt-galerie-offenbach-zeigen-junge-kuenstler-ihre-arbeiten-8058094.html

https://www.journal-frankfurt.de/journal_news/Kultur-9/linientreu-in-der-Zollamt-Galerie-Die-Linie-als-Ausgangspunkt-29243.html

http://linientreu.romankoeller.com/

https://eleug.wordpress.com/

http://www.franz-dittrich.com/

http://www.lisamareiklein.de/

https://edwinschaefer.tumblr.com/

http://www.achimschauffele.com/

http://www.zeljkovidovic.com/

Am vergangenen Freitag, den 24. März war ich zur Eröffnung der Ausstellung „Sleeping in an unmade bed“ des jungen Stuttgarter Künstlers Fabian Treiber in der Galerie meines Freundes Tristan Lorenz eingeladen. Ich hatte mich schon länger darauf gefreut, Tristan endlich mal seit langem wiederzusehen und war gespannt auf die Ausstellung. In der Frankfurter Fahrgasse, die ein bisschen das Bermudadreieck der Galerien darstellt, eröffnen meist mehrere Galerien parallel muss man dazu wissen. Wir starten also bei Tristan Lorenz, der neben Salzbrezeln einen ganz grandiosen Moscow Mule am Start hatte. Eine hervorragende Strategie, denn zum einen lockert ein stark alkoholisches Gespräch die Gäste auf, zum anderen erhöht ein volles Coctailglas die Verweildauer in einer Galerie.

Doch zurück zu Fabian Treiber, der für mich eine spannende Neuentdeckung darstellt. Ausgewogene Kompositionen deren Vexierspiel zwischen pastosem blurring und scharfen Kontrasten zum sich darauf einlassen einladen. Es ist keine Liebe auf den ersten Blick, sondern ein langsames in sie vertiefen, dass den Reiz von Treibers Malerei ausmacht. Subtil fängt Treibers Bildwelt den Betrachter ein und die auf den ersten Blick beruhigenden Gemälde fangen auf den zweiten Blick an, ihre Tiefe zu entwickeln.

Dazu trägt neben einer sehr ausgewogenen Bildkomposition auch die Auswahl der Malmaterialien bei. Neben Acrylfarbe verwendet der Künstler auch Sprühfarbe und plastisch aufgetragene Lackkomponenten, deren ungewöhnliche Dreidimensionalität eine lang nachhaltende Faszination aufbaut.

Nebenan, in der Galerie Rothamel, zieht eine Schau des vietnamesischen Künstlers Nguyen Xuan Huy die Blicke auf sich.

Huys hyperrealistische Malerei in Öl auf Leinwand ist scheinbar erotisch motiviert, ostentative Nacktheit und Sexualität laden zum scheuen Betrachten ein. Doch einmal in die Bildwelten eingetaucht, offenbart der Künstler manifeste Gesellschaftskritik und weist auf Makel in der Gesellschaft hin. Seine Bilder sind intelligente und sexy verpackte Mahnungen an den Verlust des Rückgrats unserer politischen Welt. Chapeau!

Es ist kein großer Umzug, den die Galerie Leuenroth, auf sich genommen hat. Unter dem Titel „Seitenwechsel“, eine Anspielung auf den Umzug auf die gegenüberliegende Straßenseite eröffnete das auf Neue Leipziger Schule spezialisierte Haus mit einer vielfältigen Ausstellung unterschiedlicher Positionen und setzt dabei klassisch auf Sekt und Weintrauben-Käse-Spießchen, um die  Besucher zu verwöhnen. Besonders hat mich hier Daniel Behrendt mit einem großformatigen Gemälde auf Leinwand fasziniert. Das Werk hat keinen Titel und könnte auch die Einfahrt zu einer Tiefgarage sein, aber die großartige Komposition von Sichtbetonflächen, Kanten und Schatten nimmt einen lange gefangen.

Ebenfalls fasziniert haben mich Erich Kellers „Ränge“ ein Werk dessen Reduktion auf eine Reihe Theatersitze so kunstvoll angelegt ist, dass im Geist das ganze Theater, Kino oder Schauspielhaus mitschwingt. Auch Heinrich Mauersbergers „Haus in Verden“ gefällt mir auf Anhieb, braucht aber Luft zum Atmen um seine Wirkung zu entfalten und die drückende Enge und Kleinbürgerlichkeit, die das Bild, still getarnt als Landschaft mit Haus, einfängt sprechen zu lassen.

Ein Blick in die Galerie Maurer zu werfen lohnt schon allein wegen der interessanten Gemälde von Simone Distler. Den Bildern ist etwas ganz besonderes, schwebendes eigen. Wenn jemand die Aufgabe gestellt hätte, meditative Musik zu malen, Simone Distler hätte dies mit Bravour gemeistert. Titel wie „Schweben“, „Brachland“ oder „Nachtblau“ zahlen darauf ein.

Spontan musste ich an Werke Katsushika Hokusais denken, dessen kontemplative Bildsprache bei gleichzeitig durchaus bewegter Bildkomposition eine ähnliche Wirkung evoziert. Trauben, Wein und Käse wurden hier durch das Baguette ergänzt und waren durchaus gut.

Den Abschluss meiner kleinen Tour bildete für diesen Abend die Galerie von Andreas Greulich mit interessanten Arbeiten der Künstlerin Tessa Wolkersdorfer, „miracles here“.

Weißwein und Sprudelwasser trinkend, laden die Gemälde der Künstlerin auf  eine Reise in phantastische Welten ein.  Wolkersdorfer überführt Fragmente des Alltags an ungewöhnliche Orte und Settings, sie platziert beispielsweise Sitzmöbel unter pinken Wolken auf einem unwirklich wirkenden See und schafft einen Schwebezustand der trotz der gleichsam hineinmontierten Wirkung im Zusammenspiel ein schlüssiges Konzept erschließt. Hier treffe ich meinen Freund Dirk Baumanns und wir schließen mit einem weiteren Moscow Mule gemeinsam bei und mit Tristan unsere Galerietour. Dabei verabreden wir uns alle gemeinsam noch für den nächsten Abend bei Dr. Norman Hildebrandt von der HfG Offenbach zum Grillen – von dem Klassentreffen ähnlichen Abend berichte ich aber ein andermal.

Die Ausstellungen laufen alle bis etwa 29. April 2017. Macht Euch selbst ein Bild. Ihr seid herzlich zum Meinungsaustausch eingeladen, schreibt mich gern an.

 

 

Jede große Kunstsammlung beginnt mit einem ersten Bild. Das heißt nicht, dass man die Jahre vor diesem „ersten Bild“ nackte Wände betrachtet, doch waren dies geerbte Gemälde und Blätter von den Großeltern oder Eltern. Das erste Bild für einen Sammler ist in gewisser Weise das erste selbst erworbene. Dazu gehört der aufregende Moment der ersten Verhandlung, des sich Festlegens auf ein Werk, die Unsicherheit ob man das Richtige tut und natürlich gerade bei einem jungen Sammler die finanzielle Überlegung, wie man das nun bezahlen soll.

Geschrieben steht: »Im Anfang war das Wort!«
Hier stock ich schon! Wer hilft mir weiter fort?
Ich kann das Wort so hoch unmöglich schätzen,
Ich muss es anders übersetzen,
Wenn ich vom Geiste recht erleuchtet bin.
Geschrieben steht: Im Anfang war der Sinn.
Bedenke wohl die erste Zeile,
Dass deine Feder sich nicht übereile!
Ist es der Sinn, der alles wirkt und schafft?
Es sollte stehn: Im Anfang war die Kraft!
Doch, auch indem ich dieses niederschreibe,
Schon warnt mich was, dass ich dabei nicht bleibe.
Mir hilft der Geist! Auf einmal seh ich Rat
Und schreibe getrost: Im Anfang war die Tat!

(Johann Wolfgang von Goethe: Faust: Eine Tragödie - Kapitel 6)

Am Anfang stand bei mir eindeutig die Idee. Ich wollte ein Bild kaufen – schließlich hatte ich ganz fest vor eine aufregende Kunstsammlung zu gründen. Mindestens so groß und eindrucksvoll, wie die meines Freundes Peter (der nebenbei bereits damals eine beeindruckende Sammlung Neuer Wilder besaß, darunter zentrale Werke von A.R. Penck, Karl-Horst Hödicke, Markus Lüpertz, Rainer Fetting und anderen). Großes Kopfkino eines 26-jährigen Studenten.

Ich hörte mich ein wenig um und meine Freundin Constanze wies mich auf eine Ausstellung im EVO Turm in Offenbach hin. Die Bilder dort haben mich sehr begeistert und im September 2007 beginne ich Kontakt zu Jos Diegel, dem Künstler dieser Einzelausstellung aufzunehmen und bereits am 30. Oktober 2007 schickt mir Jos schon die Rechnung über das Bild „Zwei Jungs vor dem Werk“.

Eine nicht genauer definierte Ateliersituation mit zwei Figuren vor angedeuteten Leinwänden. Der Boden ist rosa-grundig, die Wand in verlebtem weiß angelegt. Die Situation ist flüchtig, aber kraftvoll – viele Details gibt es zu entdecken, der Interpretationsspielraum ist enorm. Der scheinbar coole Typ in der rechten Bildhälfte, der lässig mit Zigarette und freiem Oberkörper das Bild dominiert blickt sehr dezidiert in Richtung des anderen Bildes. Man kann hier überspielte Konkurrenz aber auch den Wunsch nach Bestätigung hineinlegen. Vielleicht auch eine übereilte Herablassung, man wird nicht dahinterkommen. Die Blickachsen aber erzählen eine diffuse Geschichte. Auch stellt sich die Frage warum die zweite Figur nur grob angelegt ist und fast unfertig erscheint und warum zwischen den beiden Protagonisten ein Riss durch die Leinwand klafft.

Das Bild ist für mich ein ganz besonderes und vielleicht liegt es an diesem „ersten Mal“, dass ich mich bis heute dem Menschen hinter NaturalbornJos freundschaftlich verbunden fühle. Trotz seiner revolutionesquen Fassade ist Jos einfach ein feiner Kerl und ein verbindlicher und ausgeglichener Mensch.

Eine schöne konzeptuelle Arbeit möchte ich gern noch erwähnen:

„BEAT?LESS! ist die Band die keine Musik macht. Daher ist auf dieser CD keine Musik enthalten“

BEAT?LESS! Die Idee eine Band ohne Instrumente und Musiker zu gründen, CDs herzustellen und Merchandising-Artikel wie T-Shirts zu produzieren, ist mehr als nur ein ungewöhnlicher Ansatz. Jos Diegel nimmt hier zum einen die Musikindustrie aufs Korn, die einen Star bereits fix und fertig ausgestattet hat, noch bevor sie ihn mittels oft inhaltsloser Popsongs dazu gemacht hat. Er spielt hier aber parallel unterschwellig auch auf die Minimal Music an, die sich in den 1960er Jahren in den USA entwickelt hat und führt diese ganz charmant ad absurdum.

Der Link www.beatlesssound.de/ und die Kontaktadresse communication@beatlesssound.de sind bis heute aktiv.

Jos van Vugt Diegel, wurde 1982 in den Niederlanden geboren. Er studierte an der HfG Offenbach u.a. Malerei bei Prof. Adam Jankowski und Film bei Rotraut Pape. Seine Werke wurden in Frankfurt, Berlin, aber auch New York, Zürich oder San Francisco ausgestellt und Diegel hat einen exzellenten Ruf als Kameramann und Regisseur, er ist auf zahlreichen Filmfestivals vertreten.

http://www.josdiegel.de/

http://www.artvonfrei.gallery/jos-diegel/

http://faustkultur.de/1788-0-Gespraech-mit-Jos-Diegel.html#.WNUt4zs1_RY

https://www.schauspielfrankfurt.de/spielplan/archiv/a-e/endstation-sehnsucht/jos-diegel/

https://www.op-online.de/offenbach/interview-filmmacher-hfma-jos-diegel-1601119.html

 

 

Samstag Abend ist, neben eigentlich allen anderen Abenden auch, der perfekte Zeitpunkt für Kunst. Darum besuche ich auch gespannt die Vernissage der Ausstellung „Ernte – Malerei 2002 – 2017“ des Malers Mathias Weis in der Galerie Thomas Hühsam in Offenbach. Thomas stellt seit Jahren interessante Positionen aus und ich schätze den intelligenten Kunstwelt-Querulanten sehr. Den Maler Mathias Weis hingegen kenne ich noch nicht und begegne seinen Bildern heute zum ersten Mal.

Der erste Eindruck von Weis Malerei ist das Licht und die Farbwelt. Die Bilder sind gleichsam eine Antithese zur grellen Gegenwartskunst und vermitteln in Ihren pastosen warmen Farbgebungen den Eindruck von Zeitlosigkeit – von altbekanntem, von etwas mit Wurzeln. Erst dann trifft einen das Motiv. Eines, das eigentlich gar keins ist. Nämlich scheinbar zufällige Blicke in Räume, auf Raumdetails und Ausschnitte. Unmittelbar fällt mir bei der Serie „Ganz normale Tage“ der Maler Vilhelm Hammershøi ein. Als hätte jemand ein Hammershøisches Interieur einfach über mehrere Generationen weiterbewohnt. Dabei ist Weis‘ Strich keineswegs altmodisch. Kräftige Pinselführung und ein konsequenter Strich zeichnen die Bilder aus. Mit viel Ironie decouvriert der Künstler so manche Spießer-Idylle. In seinem Zyklus „Traumhäuser“ beispielsweise, offentbart die serielle Abfolge von seelenlosen und unindividuellen Immobilien die Trostlosigkeit dieses Retortenglücks und lässt es wie eine Seifenblase zerplatzen. Die Traumhäuser sind ein krasser Gegenentwurf zu den Interieurs in „Ganz normale Tage“. Diese Bilder nämlich sprechen von der Vielschichtigkeit des Lebens. Sie deuten narrativ die vielen Situationen des Alltags an, der hier Tag für Tag, Jahrzehnt für Jahrzehnt dazu beigetragen hat, aus einer Neubauwohnung einen Ort zu machen, den das Leben geformt hat. Das mag eine Türklinke aus Messing sein, die duch fortwährende Benutzung Ihren sanften Schimmer erhalten hat, oder das warme Schimmern in der Sonne von gealtertem Parkettboden, auf dem ein Putzeimer aus Kunststoff verhindert, dass wir hier in Rosamunde Pilcher Idylle verfallen und zeigt, dass hier gelebt wird.

Einen Satz möchte ich noch zu den Zwielicht – Gemälden verlieren. Bettgeschichten, die fast von innen heraus leuchten, deren noch warme Matratze dazu einlädt, wieder zurück ins Bett zu kriechen, sich ein wenig herumzulümmeln und die kurze sorgenfreie Zeit vor dem Einschlafen zu genießen.

Chapeau, Mathias Weis!

Übrigens habe ich gestern Abend auch das große Vergnügen gehabt, endlich einen Künstler kennenzulernen, den ich seit wirklich sehr langer Zeit bewundere: Christof Kohlhöfer. Der zweifache Dokumenta Teilnehmer und Beuys Schüler ist kein Unbekannter. Ob im MoMa, der Tate, dem Museum Ludwig in Köln und zahlreichen anderen: Kohlhöfer ist in den Ausstellungen dieser Welt zu Hause. Der Mensch Christof Kohlhöfer dazu ist quasi wie die Kirsche auf dem Sahnehäubchen seines Gesamtwerks. Als nonchalant und dennoch schillernd lässt sich der in die Jahre gekommene Künstler vielleicht ganz zutreffend beschreiben. Er gehört zu denen, die alles gelebt und alles miterlebt haben, zu denen, die in London, New York und Berlin oder L.A. noch einen Koffer stehen haben. Er ist ein Mensch, dessen Geschichten einen fesseln und man bedauert, das man nicht dabei war, als es in London und New York noch nicht so hochglanz – sauber war wie heute, als es Transenbars gab, in denen Zwerge auf Tabletts Budweiser servierten und noch Orangenhaine den Melrose Strip säumten. Als die Gegensätze zwischen Arm und Reich, zwischen Unter- und Oberschicht in den Metropolen noch stärker aufeinanderprallten, es Menschen gab, die im schmuddeligen Soft-Porno-Kino ihr Zuhause hatten und er mit Sigmar Polke und Joseph Beuys über die Welt philosophierte.

Ein Samstag Abend, ein perfekter Zeitpunkt für Kunst und für das Leben. Und eine Fingerzeig, dass das Leben immer dort stattfindet, wo man es zulässt – wo man sich mit offenen Augen und Ohren dem Strudel der Erlebnisse ausliefert.

 

Galerie Thomas Hühsam

http://www.huehsam.de/index.php/de/

 

Es ist im Frühjahr 2008, als ich auf dem jährlichen Städelrundgang zum ersten Mal Bilder des Malers Xue Liu sehe. Begeistert schreibe ich, mir damals also die E-Mail Adresse auf und kontaktiere den Maler mit der Bitte um ein Kennenlernen. Xue studierte damals parallel Malerei in der Klasse von Christa Näher und Bühnenbild bei Rosalie an der HfG Offenbach.

Wir verabreden uns also und ich bin ganz angetan von dem damals noch ziemlich schüchternen kleinen Chinesen, dem ich diese Kraft irgendwie nicht zugetraut hätte.  Was machen also ein junger Künstler in der Ausbildung und ein arroganter Kunsthistoriker mit Sammlerallüre [ich]? Sie verhandeln und machen einen Deal. Aus einer größeren Serie von Bildern, die eine Frankfurter S-Bahn darstellen, kaufe ich meinen ersten Xue Liu, weitere Bilder folgen in den nächsten Jahren.

Wir verlieren uns dabei nie richtig aus den Augen und ich besuche immer wieder seine Ausstellungen, wo mir einige, wie zum Beispiel die Plattform Sarai oder auch die Gruppenausstellung „Schlittschuhlaufen auf dem Canale Grande“ in Groß Karben, einer etwas bizarren Ausstellung auf dem Familiensitz der hessischen Adelsfamilie von Leonhardi noch als wäre es gestern gewesen präsent sind. Vielleicht auch, weil sich zwei Menschen damals sehr für Xue engagiert hatten die für mich untrennbar mit seinem Laufen lernen in Deutschland verbunden sind:  Dr. Felicia Herrschaft und Karin Hagemeister.

Letzte Woche, also fast 10 Jahre später, sehe ich durch Zufall auf Facebook eine Einladung zur Ausstellung „Blau ist kein Freischwimmer“  von Xue Liu bei Leander Rubrecht in Wiesbaden (23. Febr. – 23. April 2017). Da ich Xue schon lange nicht gesehen habe, fahre ich natürlich hin und besuche die Vernissage, was sich definitiv gelohnt hat. Xue ist seiner Handschrift treu geblieben und hat sich konsequent weiterentwickelt und mittlerweile einen Lehrauftrag an der Kunstakademie in Sichuan, China.

Xue Liu – sollten Sie kennenlernen!

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ZUM KÜNSTLER

XUE LIU ist geboren 1981 in Chong Qing, China
2000-2004 Malerei an der Sichuan Kunstakademie in China
2006-2011 Bühnen- und Kostümbild bei Prof. Rosalie an der HfG Offenbach am Main
2007-2010 Freie Malerei an der Hochschule für bildende Künste, Städelschule in Frankfurt am Main mit Abschluss als Meisterschüler von Christa Näher.
seit 2014 Dozent an der Sichuan Kunstakademie in China
www.rubrecht-contemporary.com

www.kaiser-cream.com

Herzlich Willkommen auf meinem Kunst-Blog, bzw. auf der Seite, die einmal ein Kunst-Blog werden soll.